La escuela de Siena

Antes de la llegada del Renacimiento, Florencia rivaliza económica, política y artísticamente con otra ciudad poderosa de la Toscana, Siena.
Allí, entre los siglos XIII y XV (o sea: hasta entrado el Renacimiento) se desarrolla una escuela de pintura que tiene claras diferencias con la escuela de pintura de su ciudad rival.
En la escuela sienesa aún perdura una característica esencial del estilo gótico: el preciosismo, que sería la tendencia al refinamiento o cuidado del detalle al extremo, de manera casi exagerada.
También encontraremos una característica muy llamativa: el uso de los fondos de oro (típicos de la pintura bizantina y la gótica).
Al mismo tiempo, respecto del uso del color en general, podemos hablar de un colorido “no realista”.
La figuras son delicadas y armoniosas. Se da una especie de “manierismo”, de estilización de las figuras para hacerlas más elegantes.

Es evidente la idealización (en Florencia, en cambio, hay una búsqueda más realista, que irá intensificándose hasta el Renacimiento).

La Virgen María de este cuadro y su aire delicado, elegante, noble, que los autores logran “estirando” su figura (como un par de siglos después harán los manieristas).

La pintura de la escuela sienesa parte de una búsqueda más lírica, más poética, más idealista que la de los florentinos, quienes ya empiezan a preocuparse por el realismo, las proporciones, y las perspectivas (todo aquello que se convertirá en una obsesión del Renacimiento).

Duccio di Buoninsegna
(c. 1255/1260, Siena - c. 1318/1319, Siena)

Probablemente el artista más influyente de Siena , de su tiempo.

Se le considera como uno de los más influyentes en la formación del estilo gótico internacional

La Madonna Rucellai La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.

La obra más celebrada de Duccio es la "Maestà" de la Catedral de Siena, donde retoma el tema bizantino de la Madonna entronizada rodeada de ángeles y santos dispuestos, en este caso, en series paralelas, horizontales y simétricas. El estudio individual de los [rostros de cada personaje y el gusto refinado expresado en la vestimenta ribeteada por una línea dorada, constituyen los elementos destacables de este cuadro.

Pero fue en las historias de la Pasión de Cristo de la parte posterior de la “Maestà” donde Duccio se plantea los temas de la perspectiva, de la arquitectura pintada y del paisaje de fondo o el espacio pictórico, mediante la propia disposición de los elementos y detalles en su relación con el ambiente como forma alternativa a la claridad espacial de los cuadros de Giotto. En la escena de La entrada de Jesús en Jerusalén (abajo a la izquierda) podemos ver como son las líneas oblicuas de la composición las que ordenan los temas: Jesús encima del asno, la multitud, la puerta de la muralla y los edificios polícromos de la ciudad al fondo. También vemos como en la escena de las Marías en el sepulcro (arriba, la segunda a la derecha), Duccio sitúa en primer plano las figuras, en las cuales el volumen de la ropa se resuelve con medias tintas, mientras que el fondo se resuelve con el tema recurrente de las montañas inclinadas para simular la perspectiva.

Es la obra más importante de Duccio, quien logró conjugar en ella el dominio técnico con una gran sensibilidad en la ejecución de las escenas, que destacan por su preciosismo y su rico colorido, con los que logró un conjunto de gran belleza..

Madonna di Crevole, tempera y oro sobre tabla,

"HOMÚNCULO" Hombre pequeño (niños que parecen adultos

"GLYCOFILUSA" El cariño de la madre hacia el Niño

SIMONE MARTINI

El gusto por la línea, propio del gótico francés y de las miniaturas de la escuela de miniaturistas de París, fue un elemento esencial en la estética de Simone Martini, el segundo gran pintor de la escuela sienesa, quien asimismo fue el más reputado maestro en el dominio del color.
En la "Maestà" del Ayuntamiento de Siena pintada al fresco en el año 1315, Martini abandona la rigidez de una composición en líneas horizontales para adoptar otra de personajes en movimiento que se acercan o se alejan produciendo un efecto de gran naturalidad. El baldaquino de seda y cintas que se mueven al viento, da la réplica a la asamblea humana que en forma de dos semicírculos rodea la Virgen, la cual ha abandonado también el hieratismo bizantino mostrando una actitud pensativa y dulce.
Las Historias de San Martín, pintadas por Simone Martini (1317) en la Iglesia inferior de San Francisco en Asís, muestran la asimilación del espacio pictórico en unas escenas con anécdotas muy detalladas, llenas de color en sus figuras perfectamente delineadas, igual que los elementos del fondo, por la línea omnipresente del pintor.

Pero es en el retablo de la Anunciación realizado conjuntamente con Lippo Memmi para la catedral de Siena (actualmente en la "Galleria degli Uffizi" de Florencia), donde se muestra con mayor claridad la asimilación de los ideales del arte gótico por los pintores de la escuela sienesa. Las formas delicadas, el aire lírico, la magnificencia de los vestidos y la belleza de los cuerpos delgados aproximan este retablo a la orfebrería gótica o al arte de las miniaturas. En este retablo, Martini va más allá del arte gótico y muestra cómo ha asimilado los descubrimientos de Giotto, cuando sobre el fondo dorado entre el ángel y la Virgen, existe el aire para moldear en esta ocasión el espacio arquitectónico.²

Los tonos ocres que usaron Duccio, Martini, los hermanos Lorenzetti y otros pintores de la escuela sienesa quedaron asociados a la ciudad de Siena, en los colores así bautizados: el siena natural y el siena tostada, que se extraían de unos pigmentos de tierras de color procedentes de la campiña toscana.

Majestad del Ayuntamiento de Siena (Palazzo pubblico)

Investidura de San Martín como caballero, obra de Simone Martini, 1316-18, Basílica inferior de Asis

Guidoriccio da Fogliano a Caballo, Palazzo Pubblico de Siena, obra de Simone Martini, 1328

Ambrogio Lorenzetti

Ambrogio Lorenzetti (Ambrosio en español, o Ambruogio Laurati), fue un pintor italiano de la escuela de Siena, nacido probablemente en 1290.
Era el hermano menor de Pietro Lorenzetti, también pintor reconocido. Su máxima actividad se desarrolló entre los años 1317 y 1348, cuando murió, probablemente a causa de la Peste Negra, lo mismo que su hermano.
Se formó en el taller de Duccio di Buoninsegna.

La obra más antigua que se le conoce es una «Madonna con niño» de 1319 (Museo Diocesano de San Cascianco) y desde allí se trasladó a Florencia donde ingresó en la cofradía de los médicos y especieros (que en esa época correspondía también a los pintores). Su estilo, influido por el de su amigo Simone Martini (el pintor más apreciado en su época) pero más naturalista, debido a la influencia de su maestro Duccio, era poco comprendido, por lo que sus comienzos no fueron muy exitosos. Hasta que recomendado por el propio Simone Martini, pudo trabajar para los papas franceses durante el Papado de Aviñón.
Cuando volvió a Siena, trabajó en los frescos de su Palazzo Pubblico o ayuntamiento (siglo xiv), en un ciclo narrativo de tema civil y político.
La obra, realizada entre 1338 y 1340, en tres de los muros de la denominada «Sala dei Nove» (Salón de los Nueve), es una de las obras maestras del Prerrenacimiento.
Se trata del primer conjunto pictórico medieval en el que se desarrolla un tema civil, con un claro programa propagandístico (el de los nueve gobernantes de la ciudad), en una serie de ambientes con paisajes tanto rurales como urbanos, dando como resultado una obra de absoluta novedad en el panorama artístico de la época.
En una de las paredes se encontraba la «Alegoría del buen gobierno», en otra la obra titulada «Efectos del buen gobierno en la ciudad y el estado», siendo la tercera la «Alegoría del mal gobierno».
Consecuencias del Buen Gobierno en la ciudad
Consecuencias del Buen Gobierno en el campo
Alegoría del Buen Gobierno

Fragmento de la Alegoría del Mal Gobierno y consecuencias en la ciudad
Consecuencias del Mal Gobierno en el campo